Un acercamiento a la exposición Dream and Pop

por Cardenal Revista Literaria


Dream and Pop, la exposición y encuentro artístico de obras surrealistas y de pop art, se inaugurará el 31 de marzo de 2022 en las instalaciones de Konesh Soluciones. Coordinada por Lizette Araiza, la exposición presentará la obra gráfica de las reconocidas artistas Elena Baptista y Mariana Caballero.

Elena Baptista Bueno se dedica al análisis, la crítica, la observación y la reflexión del arte; desde los 12 años empezó a pintar a los maestros de las vanguardias siguiendo diversas técnicas:  temple, encáustica, acuarela, óleo, acrílicos, etc., hasta que encontró en la laca automotiva un vehículo para su obra. estudió Diseño de la Comunicación Gráfica en la UAM-Xochimilco, así como la maestría en Arte, Descodificación y Análisis de la Imagen Visual, con una especialidad en Pop Art, en el Instituto Helénico. Cuenta con una amplia trayectoria como curadora, museógrafa y expositora. Como artista visual ha participado en más de 40 exposiciones colectivas. Desde el 2017 expone de manera permanente en la Galería Yuri López Kullins, en Puebla, México y España.

El trabajo de Arte Pop de Elena Baptista es lúdico, despreocupado, con una chispa de sarcasmo y diversión incluso en temas sensibles; es sumamente colorido y hace sentir bien al espectador. Tiene un punto de vista crítico muy particular. «La Verónica» es una obra que cautiva a todos los espectadores masculinos.

Lizette araiza

Mariana Caballero es una artista multidisciplinaria que a través de su creación artística aborda temas sobre identidad, la mujer, el poder femenino, género y feminicidios, a la par que muchas de sus creaciones se generan durante el sueño o estado de vigilia en meditación. Mariana estudió en la Esmeralda y, posteriormente, realizó su Maestría en Arte en el Centro Cultural Helénico; cuenta con distintos diplomados en cine, escenografía, valuación de arte y psicoanálisis del arte. En el proceso de enseñanza de arte, introduce métodos de sanación terapéutica a través de la expresión artística donde plantea la posibilidad de que el alumno en sesión terapéutica sea testigo de su propio proceso de liberación emocional sin juicios sobre sus creaciones.

Mariana juega con diferentes estilos y técnicas. Por su obra, la exposición lleva el nombre «Dream», pues nos remite a lo onírico, utiliza técnicas bidemensionales y tridimensionales. En «La ausencia del cuerpo» nos sensibiliza profunda y amorosamente sobre el tema de los feminicidios. Tiene otras piezas con tonos contrastantes con belleza y proyección asombrosas.

Pueden conocer un poco más sobre ellas en: Exposición Dream and Pop.

Lizette Araiza reunió a las talentos, intervino el espacio de Konesh Soluciones sin afectar su logística, hizo alianza con Iliana Piza, Carmen Nozal y toda la gente que colabora en la oficina, y en coordinación con las artistas, se dio a la tarea de colocar las obras estética y armoniosamente. También consiguió patrocinadores, DJ, coordinó con ellas el tema de canapés y arte visual, acroyoga, performance, para que sea realmente una experiencia agradable e inolvidable la de quienes visiten la exposición.

Ha sido una gran experiencia gestionar esta exposioción y verla consolidarse. Estoy muy contenta de reunir agrandes amigas y artistas apoyadas por Konesh Soluciones. Héctor Gutiérrez Machorro se está convirtiendo en un parteaguas para que otras empresas del sector privado se sumen a apoyar con espacios a los artistas y, así, ayudar a tener más nichos culturales por la ciudad y aparadores para la obra de los artistas.

Lizette Araiza

En Cardenal Revista Literaria tuvimos la oportunidad de conversar con Mariana Caballero y Elena Baptista, quienes nos respondieron algunas preguntas sobre Dream and Pop que nos introducen a este importante evento:

CRL: ¿Qué es Dream and Pop?

EB: Dream and pop es un encuentro de dos mujeres de la misma época, inclusive, casi con los mismos estudios y especialización, pero que miran dentro del contexto actual y atienden dos situaciones distintas una más onírica respectó a los problemas sociales y la otra más reflexiva y encontrando en esa hipertrofia visual actual que se da en esta mezcla de sincretismos una propuesta artística más lúdica de carácter pop art

MC: Dream and Pop es un proyecto imaginado por Lizzette Araiza (actriz y mujer multifacética) y Héctor Gutiérrez Machorro, director y dueño de Konesh Soluciones, quien además es un promotor comprometido del arte y la cultura. En charlas surgió la idea de generar un espacio alternativo para visibilizar la obra de artistas de su interés. Esta es la primera de varias exposiciones en puerta.

La idea de juntar a estas dos artistas es crear un lazo entre las preocupaciones sobre la visión de la mujer en la cultura desde una mirada pop en Elena Baptista y una mirada fusionada de lo clásico y lo contemporáneo en Mariana Caballero.

mARIANA CABALLERO

CRL: ¿En qué consiste la exposición?

EB: La exposición surge como una oportunidad de extender estas propuestas a espacios en la iniciativa privada que nos permitan compartir estos discursos artísticos, ya no solo en los espacios per se, sino ampliando los espacios comunicativos a un público que también sensible se involucre y disfrute o se re-sensibilice con estas dos propuestas y surja También esa búsqueda e interés artístico, Creemos importante que la iniciativa privada también se involucre en esta apertura y difusión cultural.

MC: La idea de juntar a estas dos artistas es crear un lazo entre las preocupaciones sobre la visión de la mujer en la cultura desde una mirada pop en Elena Baptista y una mirada fusionada de lo clásico y lo contemporáneo en Mariana Caballero. Aunque las obras son opuestas en su aspecto estético tienen varios lazos que las unen en donde critican de cierta manera a la visión de la mujer en la sociedad actual por un lado la ausencia de la mujer en la obra de Mariana y por el otro la cosificación en la obra de Elena. Dos miradas femeninas con distintas maneras de hablar de la mujer y de la cultura.

Las artistas también presentamos en esta misma muestra piezas que hablan de otros temas, como los sueños en Mariana y la fusión de la cultura popular mexicana con la influencia norteamericana en una mezcla de pochismo visual muy afortunado en Elena.

CRL: ¿En qué momento surgen las piezas de la exposición?

EB: La técnica de mi obra prácticamente es laca automotiva que me parece pertinente por lo industrial o por lo actual o por lo que denota en este caso el pop que es un movimiento que tiene que ver con los diseños la publicidad las marcas y el consumo y el desarrollo social de una urbe.

MC: Ambas artistas llevamos varios años en el proceso y realización de las series que presentan que están en evolución y desarrollo.


Muestra de la obra de Mariana Caballero:


Muestra de la obra de Elena Baptista:

Exposición Dream and Pop

por Carmen Nozal


Este jueves 31 de marzo a las 19:00 horas se inaugura la exposición Dream and Pop, organizada por Lizette Araiza en la empresa mexicana Konesh Soluciones, ubicada en Tuxpan 64, Colonia Roma. Con obras de las artistas plásticas Mariana Caballero y Elena Baptista, esta muestra presenta dos visiones del mundo totalmente contrastadas donde la profundidad dialoga con lo más liviano de la vida cotidiana.

Mariana Caballero nace en la ciudad de México en 1977. Egresada de “La Esmeralda”, se caracteriza por realizar un trabajo multidisciplinario, en el que busca abordar un mismo tema con técnicas distintas tanto bidimensionales como tridimentsionales. Ha expuesto individual y colectivamente en recintos importantes de la ciudad como San Carlos, y la Galería Central del centro Nacional de las Artes, así como en los museos de arte contemporáneo “MACAY” en Yucatán y “MAM” en la CDMX. Internacionalmente en el 2009 fue invitada a la feria de arte internacional SOFA en Chicago y en 2018 su obra fue acogida en una prestigiada galería en Madrid. En 2021 expuso en el museo del Claustro de Sor Juana y en Ravena, Italia. Posteriormente, en 2022, su obra se expuso en Madrid, España.

En 2019 presentó su proyecto La ausencia del cuerpo en una exposición individual en el Museo del antiguo Palacio de Medicina de la UNAM que conformó piezas de pintura, arte objeto e instalación. Actualmente, sigue trabajando en este mismo proyecto, a la par que investiga aspectos del arte y la cultura, claves en la degradación de la imagen femenina  a través del arte, partiendo de la mitología judeo-cristiana y olímpica, tomando como punto de partida a Medusa en relación a la diosa serpiente y sus símiles preolímpicos, como una representación de la degradación de la diosa sagrada de la antigüedad.

En palabras de la querida maestra Teresa Guarneros, curadora y crítica de arte, “Mariana Caballero sabe, como Marguerite Duras, que la intimidad se vuelve universal al romper los linderos de un yo limitado para encontrarse más allá de esos límites en una recreación de sí misma”.

Por otra parte, la artista plástica Elena Baptista estudió Diseño de la Comunicación Gráfica en la UAM-Xochimilco, así como la maestría en Arte, Descodificación y Análisis de la Imagen Visual, con una especialidad en Pop Art, en el Instituto Helénico. Cuenta con una amplia trayectoria como curadora, museógrafa y expositora. Como artista visual ha participado en más de 40 exposiciones colectivas. Desde el 2017 expone de manera permanente en la Galería Yuri López Kullins, en Puebla, México y España.

Entre sus numerosas exposiciones colectivas se cuentan las llevadas a cabo en el National Museum of Mexican Art en la ciudad de Chicago, USA; en la Asociación Mexicana de Grabadores de Investigación Plástica, A.C. y la Universidad de las Américas, campus Ciudad de México, en el Instituto Cultural Helénico y el Museo de San Francisco del Rincón, en Guanajuato; en la Universidad Pedagógica Nacional y en la embajada de Brasil, así como en las galerías DeLonghi, Aguafuerte y Manuel Felguérez de la Rectoría General de la UAM.

Durante varios años, Elena Baptista ha estado en una búsqueda de imágenes que den claridad sobre la existencia de un discurso Pop Art mexicano o en México. Como artista visual ha construido dicho discurso a partir de su realidad y cotidianidad. Es a través de una propuesta personal y subjetiva de características Pop Art de imágenes y representaciones de las calles y referentes culturales que define la creación de su obra.


Una muestra de la obra de Mariana Caballero:


Una muestra de la obra de Elena Baptista:

Nota de Prensa: Iniciación a la Teoría Literaria para Escritores con Ricardo Sumalavia

Docente: Ricardo Sumalavia

Este breve curso está destinado a ofrecerte las bases teóricas de la teoría literaria, pero con el objetivo de estimular tu creación literaria y darte mayores herramientas de lectura.

Programa:

  • ¿Qué es la literatura? Aproximación histórica/teórica.
  • Primeras teorías literarias contemporáneas. El formalismo ruso.
  • El estructuralismo. Modelo actancial. Aproximaciones al hecho poético.
  • Estética de la recepción. Competencias del lector / convenciones de la lectura. ¿A quiénes les escribimos?

INICIO: 4 de abril.
FIN: 23 de mayo.
Pago único: 580 soles/mes. (8 sesiones=16 horas) Duración: 8 sesiones de 2 horas.
𝐇𝐨𝐫𝐚𝐫𝐢𝐨: Lunes de 7 a 9 pm
𝐏𝐥𝐚𝐭𝐚𝐟𝐨𝐫𝐦𝐚: Zoom.

Inscripción:
Nacional: Para inscribirse se debe hacer el depósito en una cuenta Ahorro soles del Banco Continental a nombre de Ricardo Sumalavia:
Número de Cuenta: 0011-0120-0200296039
Código de Cuenta Interbancario (CCI): 011-120-000200296039-37 Internacional: Vía PayPal (rsumala@yahoo.com) o Western Union

Luego de realizado el pago se debe enviar el comprobante al correo: laislaescuelaescritura@gmail.com Las inscripciones se realizarán hasta completar los cupos.

Audio de Ricardo Sumalavia explicando los pormenores del curso «Iniciación a la Teoría Literaria para escritores»:

https://drive.google.com/file/d/19KfUqLJqi726reH5EgX5C7L9SYG0AP4F/view?usp=sharing

Ricardo Sumalavia nos ofrecerá el curso Iniciación a la Teoría Literaria para escritores

Armando Gama: Arte y sociedad civil. Un diálogo en relación con Konesh Soluciones

por Cardenal Revista Literaria


A penas inicia marzo y el preludio de la primavera ya se siente en el clima. A pesar de ello, la frescura de la sombra de la terraza de Café Boicot, en la colonia Condesa, me permite sentarme frente a frente, con un chocolate caliente en mano, con Armando Gama, reconocido cantante barítono de ópera.

En fechas reciente hemos entrevistado a algunas personas de la comunidad cultural y artística de la Ciudad de México, quienes han encontrado respaldo por parte de un grupo de la sociedad civil que se preocupa por apoyar a las artes y la cultura; me refiero a la empresa de facturación Konesh Soluciones. Las conversaciones que hemos sostenido con estas personas giran en torno a ese tema urgente y sustancial que nos permite generar comunidad: el apoyo entre miembros de la sociedad civil, en general, y a los proyectos culturales y artísticos en particular. Ciertamente, la conversación que sostuvimos con Armando Gama ha sido una de nuestras favoritas, por las interesantes opiniones y perspectivas de Armando en relación con temas como el arte, el Estado, la sociedad civil y la democracia.

Reseñar quién es Armando Gama se torna complejo pues, como bien reconoció él, Armando Gama es la conjunción de toda una vida de experiencias, conocimientos, chismes, saberes, etcétera. Reseñar, admito, tiene como efecto simplificar, reducir y, por ende, omitir –arbitrariamente– los elementos importantes que definen a una persona en su individualidad. Académica y profesionalmente, y para acercar a la comunidad lectora de Cardenal Revista Literaria a este importante actor del arte mexicano, me importa mencionar –sin las pretensiones reduccionistas mencionadas–que Armando cursó sus estudios en la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México; ha formado parte de la Academia de Artes Vocales de Filadelfia; es miembro de la Compañía de Ópera de Bellas Artes; e interpretó el rol de Donizetti en L’Elisir d’Amore en el Festival Opera de Walnut Creek, California.

Sentados, uno frente a otro, Armando nos saluda y empieza la conversación en torno a algunas preguntas que le habíamos hecho llegar anticipando nuestro encuentro.

“Es papel exclusivo del Estado apoyar al arte y la cultura,” me dice atendiendo a una de las preguntas de la entrevista, “tú y yo sabemos que no; que sí y que no a la vez. Es deber del Estado facilitar al individuo, a la empresa, a todo aquel que desea participar dentro de la vida cultural, los medios para que lo pueda hacer. La cultura es el mejor exponente del bienestar o del malestar de un país. No hay mejor indicador. Yo no soy marxista, pero Marx lo dice: hay una estructura y una superestructura; la superestructura es justamente esta parte tan importante; no puedes tener una superestructura sin estructura; no puedes una estructura así nada más sin ´presumirla´ en la superestructura, que es la punta del iceberg.

“Durante muchos años había sido el Estado el único proveedor de cultura, pero eso tiene un pero muy grande, que solamente se visualiza la cultura que el Estado quiere, o que el Estado piensa que es la correcta, y que puede ser cierta o no, pues se pueden quedar fuera de esa visión un montón de exponentes, un montón de versiones (cultura no solamente hay una, sino muchísimas, infinitas; las culturas que conforman la Cultura, desde las llamadas culturas suburbanas hasta la general, lo que representa ser mexicano).”

Antes de esta pregunta, hay otra primigenia, pues parte importante de esta conversación es acercarnos a su trabajo en y para la cultura. En este sentido, conozco yo un poco sobre su trayectoria; más allá de la imagen pública, o de lo que podamos leer acerca de usted, ¿quién es Armando Gama, cómo se concibe usted?

Preguntar quién es Armando Gama es muy “al aire”. Te puedo platicar desde mis primeros recuerdos personales, en el kínder, hasta el día de ayer; pero es muy ambiguo. Es más fácil que responda algo más concreto: ¿qué quieres saber de quién soy? Incluso está el chisme, y ese es una parte importante.

Lo que me forma como artista, es el deseo de hacer lo que mis ídolos dentro de la ópera hicieron; eso fue lo que me movió a ser como ellos. Tú sabes, el público va al teatro, va al escenario, va al foro, a que el artista lo seduzca. El público quiere ser como el artista. ¿Qué es el arte? El arte no es otra cosa que la cola del pavo real, que los colores del tigre. Nosotros como especie, somos sumamente débiles en cuanto a una demostración de fuerza física, de atributos físicos, que hacen que los demás animales que hay sobre la Tierra, dotados de elementos físicos, de dimorfismo sexual –que está encaminado a la perpetuación de esa especie (como la cola del gallo o el adorno en los machos). Nosotros, como humanos, tenemos muy poquitas herramientas para ese respecto. Lo que creamos es belleza a través del arte; no solo belleza física, porque sí hay quienes cultivan su cuerpo de manera tal que crecen estéticamente, muy agradables, por supuesto; pero no todos tenemos esa capacidad, ni esas ganas; hay personas que desarrollan algo más profundo: el intelecto, y la manera de transmitir ese intelecto, que es a través del arte representativo, y ese arte representativo se ve, se lee, se siente, se escucha. Eso yo lo descubrí mucho después, ya cuando uno se da cuenta porqué está allí haciendo cosas difíciles, arduas, que no a todas las personas les gusta, que son consideradas en ocasiones como aburridas y elitistas; está allí porque se es necio, pero se es necio por algo que entra en juego y que llama directo al instinto del ser humano: el golpe de adrenalina que produce estar en el escenario exponiéndose uno mismo, como individuo, a un montón de ojos y orejas que son capaces de decidir si les gusta o no. Nosotros estamos en el escenario porque somos adictos a esa adrenalina y queremos más, queremos sentir otra vez esa emoción, queremos otra vez estar al filo de la navaja, y por eso pulimos nuestro arte, pulimos nuestro quehacer, pulimos nuestra especialidad, hasta llevarlo a un punto de dominio más allá de la media, porque lo que queremos no es llegar sino seguir estando ahí. Todos lo queremos. Recuerda que solo hay dos tipos de artistas: los que están en formación y los que están en deformación. El pico entre ambos puntos dura muy poco. Dura tanto cuanto uno lo quiera mantener.

El artista no es altruista. Todo en esta vida es un intercambio. En este caso, un bombardeo químico interno a través de la aceptación, porque el artista tiene su aceptación fuera de sí mismo, el artista vive de la aceptación de los demás, no de la aceptación propia, de la interna, que es la que se busca a través de la iluminación de algunas religiones, ciertamente, pero sabemos que eso en el arte no existe.

Su respuesta descubre el papel que el arte juga en su vida; ¿qué papel juega el arte para la sociedad en general?

El arte, desde la unidad, desde yo, el arte en mi vida es mi vida. Hoy vivo del arte, con el arte y para el arte. No puedes hacer otras cosas; es cierto, me encanta hacer cosas que nada tienen que ver con la música, porque eso es lo que me distrae también de la música. La música, el canto, la ópera, son como tener una relación sentimental con una pareja, a quien tienes que extrañar de vez en cuando, porque si la ves diario, si la soportas las 24 horas, de los 7 días de la semana, de los 365 días del año, le terminas poniendo el cuerno porque te hartas; necesitas extrañarla, por eso salen los hobbies, las aficiones, las distracciones, que hacen que extrañes, con mucho cariño, a tu amor verdadero. Eso es en cuanto para mí “qué es la música, la ópera, el canto”.

En el contexto general, ya no es la música, el canto, la ópera. Repito, la cultura general, sirve para distraer -como sociedad-, sirve para presumir -sirve dentro de la presunción (esto soy yo, esto somos nosotros), una especie de chauvinismo-.

No estoy de acuerdo con que un artista deba necesariamente de tomar una postura política, sobre todo si es un artista independiente. Hay gente que adopta tener una postura política, pero sabe que lo que tiene que perder ahí es mucho mayor que lo que tiene que ganar; se pueden perder afectos, hasta la nacionalidad, si se adquiere postura política acérrima. No es raro encontrar a algún colega que ha tenido que dejar su pasión, su vida, de lado, porque no lo contratan por tener, si no una postura política, sí una ideológica. Deja de gustar.

Recordemos que el artista lo que busca, es gustar. Sí es cierto que el artista también tiene una misión de transmitir ideas, pero eso ya es un político haciendo arte. Y con eso, yo no estoy de acuerdo. Las demás personas podrán tener otras opiniones.

Como sociedad, tu cultura, lo que te identifica como esa sociedad, es ese túnel llamado la cultura de tu país, lo que te hace darte cuenta de quién eres, y es ahí donde entramos todos como artistas. Te mencionaba que es un método de presunción. En lo que a mí respecta, que es lo que yo conozco y de lo que más puedo yo hablar sin temor a equivocarme, una de las maneras de presumir más hermosas que tenemos, que más orgullo nos dan, es los artistas mexicanos, los cantantes mexicanos, es muy sabido internacionalmente que México es un semillero de cantantes: da cantantes para todos lados; en todos los continentes, hay un cantante mexicano cantando, en mayor o menor medida, los tienes a algunos, como Ramos Vargas, como Rolando Villason, como Francisco Araisa, que están en el topo del topo, y hay otros que están honestísimamente trabajando y viendo de su arte, trabajando en el coro de la ópera de fulano, en el coro de la ópera de tal ciudad, en proyectos chiquitos, en venias chiquitas, y no por eso son menores, porque siguen siendo una panoplia para presumir por nosotros, el problema es que no los conocemos. A la mayoría de los de abajo, no los conocemos: puede ser que ellos mismos no estén interesados en darse a conocer tanto -razones hay muchas-, pero también porque nosotros mismos queremos desconocerlos, y de eso se trata, en una gran parte, el proyecto del radio que tiene Konesh.

Konesh quiere dar un espacio, a parte de los intereses empresariales internos, alrededor de esos intereses, quiere que exista un espacio para que se sepa quién es el artista mexicano, no nada más el artista de la ópera, el de la música, el artista en general. El artista mexicano es riquísimo en su variedad expresiva, en sus expresiones, hay incluso gente que no tiene un solo arte.

El arte escénico es efímero, pero las artes que se quedan impresas, escritas, se quedan hasta que uno quiere, incluso hay manifestaciones de las cuales, si bien ya no queda ningún registro, siguen siendo objeto de diálogo.

El arte no debería ser panfletario, opinan algunas personas; el arte debe ser ajenos a las diversas posturas políticas. Hay quienes, por el contrario, opinan que la estética necesariamente implica una ética y, por ende, una política.

En eso tienes toda la razón. Pienso que es prioridad del individuo determinar hasta qué punto intervendrá su postura ética. Es muy fácil cuando un individuo no tiene nada que perder, que lo dé todo. Cuando uno no tiene nada, lo puede dar todo. Cuando se tiene nada más medio pedazo de pan, lo más seguro es que se seguirá teniendo hambre cuando se lo de a alguien, entonces se da todo. Ahí es donde entra en juego, quién es quién se está aventurando a darlo todo por una postura ética, por una postura política. Si de entrada la razón de tu existir dentro de la cultura y el arte que te rodea, antes que todo, es esa postura ética, también tenemos que tomar en cuenta con qué calidad se nos está entregando; no se trata nada más de decir lo que uno quiere, sino el medio a través del cual se hace; es como tratar de convencer a una novia, no se lo dice nada más así como tal, se le tiene que envolver en huevo, freír y ponerle azúcar; una postura ética no puede ser metida en un tubo con una baqueta hasta que embote, tiene que ir poco a poco, suavemente, hasta que uno crea que fue su idea y no la del artista. Hay artistas que prefieren ir contundentes; también es una postura personal. A algunos se les cree más que a otros, a esos me refiero, son esos quienes tienen el poder de la seducción que uno busca como público, y te dan el producto a cuentagotas, como uno lo quiere, precisamente para que se quiera más.

Lo encuadran bien en los parámetros estéticos.

O lo disfrazan.

Me pasa en el medio literario que me encuentro con poesía “posmoderna”, que en ocasiones rompe, sin fundamento, algunas estructuras.

Romper sin fundamento, no es romper, es transgredir. No se puede cambiar una postura, no se puede introducir una postura, una idea, desde la ignorancia. No puedes romper sin ser doto de aquello con lo que se quiere romper. Si uno quiere romper algo, es porque ya lo tiene hasta la coronilla y algo nuevo quiere. Eso nuevo se encontró con base en lo anterior, en la falla que se encontró en lo roto. Es el deber ético, entonces, como artista, señalar esa fractura.

“¿De qué vas a vivir?” es una cuestión que se presenta cotidianamente. Sabemos, como personas creadoras, que nuestro quehacer implica trabajo, y como tal debe ser remunerado. ¿Por qué nuestro Estado, sin pretender que sea paternalista, no está creando oportunidades laborales para personas artistas, y por qué surge la necesidad de que la sociedad civil juegue un rol importante en el apoyo a las artes y la cultura?

El proyecto del radio es una herramienta para poder adentrar a Konesh, que ya lo ha estado haciendo desde hace tiempo, pero cada vez se quiere más sólida la participación.

Se busca que además de la participación de Konesh como empresa, se unan más y más individuos de la sociedad civil, como empresas. ¿Qué obtiene un individuo?

Al gobierno no le gusta soltar dinero porque no lo va a recuperar inmediatamente; no del mismo lugar, y no nada más porque sí. Esto es un intercambio, y como tal debe ser justo y equitativo. Es como una relación: ambas partes se deben querer proporcionalmente, si no una de las partes se irá; quien se fue ya no querrá hacerlo, y quien se quedó solo también estará resentido, y ya no buscarán intercambio. Lo mismo del intercambio cultural y económico, al mismo tiempo, tanto la sociedad civil como el gobierno. Lo que tenemos que entender como sociedad, es que el Estado debe facilitar ese intercambio, no estorbarlo. Como la dirección orquestal: el primer deber de todo director de orquesta es no estorbarle a su orquesta, porque si no saben marcar la orquesta no sabrá lo que quieren, y si la orquesta no sabe lo que quiere no le harán caso. Si el Estado estorba, tendremos una gran barrera, estorbo, para poder lograr que la parte civil de nuestra sociedad pueda a su lugar en la sociedad portar de muchísimas maneras al desarrollo cultural de su propio país, incluso también, por qué no decirlo, muchísimos individuos desconocen por miedo, su valor al enriquecer la cultura de su país por desconocimiento. Uno lo puede ver en las micro sociedades; por ejemplo, en una escuela, en un grupo escolar infantil: los grupos son los primeros conjuntos sociales donde se forma un niño, donde aprende a ser sociable; es en la escuela donde desarrolla.

Ahí tenemos un ejemplo sublimado del por qué la cultura da miedo. Cuando tienes a un niño que siempre le responde a la maestra de forma correcta, ese niño asusta, y eso intimida a los demás niños, y la respuesta lógica es la agresión física, la más rápida, sin miramientos, sobre lo primero que siente. Hoy en día condenamos el bullying, el acoso; antes te defendías o te seguían molestando; hoy la postura es que uno tampoco debe agredir, lo que refuerza que uno debe ayudar a su hijo, ayuda a quien no debe de agredir. Es fácil perder la noción de lo que es el poder. El poder entra también en lo que es la cultura. Ahorita voy a hondo en lo del poder. El poder de un individuo, el poder de una empresa se puede demostrar de muchas maneras. Decía Theodor Roosevelt: “hablar suave y llevar un buen bastón”. Cuando hablas suave, cuando no te alteras, cuando eres dueño de la situación, ni tienes que gritar, pero tu instrumento coercitivo tiene que ser lo suficientemente grande para que uno no tenga que gritar, y este instrumento si bien puede ser económico, bien puede ser punitivo a través de la fuerza legal o ejecutiva, está adornado de piedritas, de brillitos, que hacen que voltees a verlo, pues si está adornado definitivamente no ha tenido que ser usado. Es como quien trae un gran auto, seguro es porque le va bien, y ahí está la parte fundamental de por qué necesitamos presumir la cultura del país, el equivalente a ese auto flamante, que hace a las personas decir que a su dueño le va bien. Toda sociedad que se precia de que le va bien, tiene una cultura variadísima, enorme, grandísima.  Si el individuo desea preservar y presumir ese enorme instrumento que es la cultura de su país, necesita aportar, no necesariamente de forma económica (prestando espacios, abriendo programas, etc.) .

Siempre habrá un intercambio fructífero cuando hay dos personas que saben lo que quieren, y cuando una de ambas no sabe lo que quiere, hay que darle las posibilidades. No todo es reguetón; que nos guste o no, eso no importa, como parte de la cultura es una expresión válida, pero también son válidas otras posibilidades, como es válida la música contemporánea, que a muchos de nosotros no nos gusta porque solo la entiende el compositor, dice él, y lo más seguro es que ni siquiera él la conozca ni sepa cómo se toca, hasta que la escucha por primera y última vez. Es una expresión válida de nuestra cultura de nuestro país.

Con base en esto, la cultura y las artes juegan un papel más allá que el del entretenimiento de las personas, y de ser objeto de presunción del Estado para que sepamos que está bien. Es algo sustancial, aunque el Estado –entendido como el gobierno– no lo considera así; siempre lo pasa a segundo plano. Para Konesh Soluciones resulta relevante no trasladar a la cultura a un segundo plano; a pesar de ser un proyecto que nada tiene que ver con las artes y la cultura, consideran que éstas deben estar en un primer plano. Si el Estado no logra colocarlas ahí. Konesh juega un papel importante por la cultura. La sociedad civil juega un rol esencial; hay muchos proyectos artísticos independientes.

No es que el Estado no lo haga; el Estado mexicano tiene sus mecanismos para ello. No le interesan al gobierno central. Los delega a su instancia adecuada, que es la que se encarga de las riendas de ello; es a ellos a quienes les debe importar. La tragedia de la cultura subvencionada por el gobierno en este país es que solo dura 6 años, y al siguiente sexenio, si bien nos va, y si sigue el partido en turno siendo quien favorece a esa institución, pues ya no tuvimos que sufrirlo tanto, pero si cambia radicalmente una postura política –o mejor dicho, un color, pues la pintura se raspa y abajo siempre hay cemento-; si el color ya es diferente, no siempre te va a favorecer, con eso me refiero a que es muy peligroso que el artista tome una postura política, sobre todo si tiene mucho que perder. Puede ser una bendición o una maldición que sea el Estado quien se encargue de la cultura porque lo que termina mostrándose a la sociedad va manchado del color del cristal con el que se mira, pero cuando es el individuo el que pide y el que da, entonces ya no hay colores, ya es transparente, porque ahora es la elección personal la que manda, por eso el Estado, si bien no se va a encargar absolutamente de la difusión cultural de su sociedad, debe de facilitar que los demás los puedan hacer cuando quieran o deban hacerlo.

Desafortunadamente, México es uno de esos pocos países en los cuales durante mucho tiempo fue quien se encargó de la difusión cultural. México tuve su época de oro en el siglo XX, gracias a la intervención gubernamental tenemos lo que tenemos, no podemos patear el pesebre, no podemos ser desagradecidos, sería una locura ser desagradecidos con esa visión que en los 20, 30, 40, incluso hasta los 80, se tuvo por el color del cristal con el que se miraba. Cuando ese color cambió, la óptica también cambió, el lente empezó a mirar a otros lados y entonces ya no importaba. No entiendo, como individuo, históricamente, por qué durante el periodo comprendido (20-80), el color con el que se miraba la óptica del panorama nacional incluía necesariamente la cultura del país, su desarrollo; no de todas, ciertamente, se buscaba que se pareciera a los colores de otras culturas, pero por algo se empieza; copiar algo bien hecho se llama hacer escuela; no se puede aprender si no hay ejemplos, si no hay a quien seguir. Como cuando me preguntabas el papel de la música y de la ópera en mi vida, yo tenía que buscar cómo parecerme cada vez más dentro de los posible a aquellos a quienes yo considero o consideraba los máximos exponentes de mi quehacer artístico. Es lo mismo. Antes veíamos hacia afuera. Ahora debemos ver hacia adentro, hay que traer de fuera hacia dentro, para poder ser grandes culturalmente otra vez. Cada vez lo somos más económicamente. Somos muy suertudos como país, somos muy ricos, tanto que a veces no lo podemos ver, porque incluso somos muy desperdiciados, no nos importa. Si está muy caro el limón, no necesitamos comprar de afuera, acá tenemos muchos limones, incluso aquí en la Roma y en la Condesa. Somos muy ricos en recursos, por eso no nos importa de primera mano la posibilidad de llegarlo a perder, por eso somos desperdiciados. Hay que aprender que un día se va a acabar el conocimiento, la cultura, de tanto ver para afuera, se nos va a agotar, tenemos que ver para adentro ya.

Hay un tema interesante sobre el papel que juega la forma de un gobierno democrático. ¿Por qué importa la democracia para el desarrollo del arte, para que no sea la imposición de cierta perspectiva artística para evitar la censura, y sea la pluralidad de expresiones la que va conformando?

Es peligroso hablar de democracia. No por la postura en torno a ésta. Me dirás que soy transgresor, pero el mejor ejemplo de que la democracia no existe es una orquesta. En una orquesta, conformada por un promedio de 60 músicos, no puede haber democracia. No puede haber 60 versiones de cómo se hacen las cosas. No puede haber 60 maneras de hacer las cosas. Si quieres que la grabación, concierto, ensayo, salga bien hecho, rápido, se necesita una visión, y esa visión, quien tiene el deber de aportarla, es el director de la orquesta; es él quien dice cómo se hacen las cosas. Puedes tener muy buen director o un charlatán. Pobres de nosotros si nos toca un charlatán, porque entonces las 60 versiones se van a empezar a pelear, dirán que así no se hace. Si quien está en la cabeza de la orquesta no sabe lo que hace, creará un caos. Pero si tienes a un director que conoce versiones, puntos de vista, estilos, otras formas de hacer, y de allí crea la que el considera que es la mejor para que esa orquesta, con los elementos que tiene, hace que suene de la mejor manera posible, ese podrá ser un patán, un autoritario, pero es un buen director, porque dice que vale mucho la opinión de todos, pero le importa más la experiencia y perfección individual de cada uno para que toda esta orquesta suene gloriosa; no puede haber democracias, deber haber experiencia y saber cómo encauzarla.

Donde mucha gente me va a criticar, y van a tener razón en un aspecto: ¿qué pasa cuando quien es la autoridad se vuelve autoritario sin experiencia? Regresamos al caos. Ejemplos como tales vemos todos los días; la gente que está cargo de esta gran orquesta que es el país, no sabe dirigirla.

Hay algo interesante del proyecto de Konesh. No únicamente quieren apoyar a los artistas, sino darlos a conocer.

¿Cómo se les va a apoyar si no se les conoce? A partir de eso, es como mejor se les va a ayudar. No puedes vender un diamante si no lo presumes. El que no enseña no vende.

Hay autores que opinan que sin audiencia con quien se pueda generar un dialogo, el objeto artístico no puede ser arte.

El arte siempre es bilateral, muy bien señalado. Aunque sea una persona quien lo crea, y muchos sus espectadores; o muchos sus creadores, y un solo espectador. Como cuando estás oyendo un disco que fue creado por una pléyade de trabajadores que se encargaron de crear un cd, pero lo escucha uno solo.

No puede ser unilateral, tiene que haber un diálogo que despierte pensamiento, que despierte emoción. Con esos dos elementos uno crea el interés, el “quiero más de esto”. El arte se ayuda de los elementos más básicos del instinto humano, la preservación de la especie. Pero lo ignoramos, porque igual que oler un perfume bonito, no sabes por qué nos gusta, porque a mi forma de ser, a mi química interna, le cuadró algo de ese aroma. Igual, culturalmente, artísticamente hablando, a mi ADN cultural interno, le cuadró algo que estoy experimentando, viendo, oyendo, voy a buscar más.

La fecundidad del canto en Semillas cósmicas de Julio Barco, por Francois Villanueva*

Por: Francois Villanueva Paravicino*

El poeta prolífico y desbordante, irreverente y cuestionador, Julio Barco, en su paso por Huamanga y Huanta, me obsequió un ejemplar de Semillas cósmicas (Mención Honrosa del XI Concurso Poeta Joven del Perú del 2020), una obra donde, creo yo, se define y moldea mejor su Ars Poética, tal vez con mayor originalidad y voz lírica propia que en sus entregas anteriores.

Si en aquellas obras se expresaba y rendía tributo con la mímesis o imitación de sus modelos poéticos (dígase Hora Zero, Kloaka, Neón, etcétera), explorando la ciudad urbana a través de una voz psicosomática o esquizoide, sus bordes y descentramientos, sus periferias y sus formas urbanísticas, en Semillas cósmicas encontramos un canto propio, sincero y honesto con sus ideales y su forma de entender la poesía.

“El poemario de Julio Barco podría considerarse como una obra que, tomando como motivo lo absurdo del hombre en su pluralidad, hurga en la inaprensible naturaleza del lenguaje”, afirmó el Jurado Calificador del certamen. Y es cierto. Tal vez en esta obrita se entienda que la principal preocupación de la poesía de Barco es el lenguaje: sus excesos-desbordamientos, su parquedad y sus límites, su potencia y su fuerza, su fuerza de procreación y su instinto destructor. He allí sus méritos.

Julio Barco, autor del poemario Semillas cósmicas.

“Todo lenguaje es simiente / Toda simiente es poesía / El poeta es madre de la luz”, afirman los versos finales del primer poema del libro. Y, como una advertencia o unas palabras liminares, el hablante lírico de los poemas desarrollará en su canto la idea central de que las palabras, el verbo y el lenguaje son fecundos, son vida, son la razón principal de la existencia humana.  

“Yo no soy el bosque. Yo soy apenas un hombre lleno de hombres. Un cuerpo lleno de señales y sentidos.  Abierto un instante a la vida: con cerebro y profundidad de ideas”, rezan los versos en prosa de la composición “Volcán de Agosto (balada de las semillas)”, donde metaforiza al ser humano como un ser “lleno de señales y sentidos”; es decir, como un cuerpo construido de lenguaje, de verbo y de significación.

“Y tu fuego será una semilla en una hoja. / Y la semilla multiplicará su sentido. / Resplandor, epígrafes, nubes: / me alejo por siempre de las bibliotecas”, se destacan en el poema “Me inquietan los caminos que toma la gloria”, donde de forma versista se conjuga la metáfora de la fecundidad de la cultura letrada, libresca y bibliográfica. Es decir, de la fertilidad de la hoja escrita, que, como enseñan los maestros, imita o supera a la vida.

“El alma viaja en la simiente, el ser en el lenguaje, y este lenguaje es pulido material del sueño”, se escribe en el poema “(El sueño y las semillas)”, que, como una fenomenología del espíritu, relaciona al lenguaje como la casa del espíritu y del ser. “La poesía es una semilla que repercute en el cuerpo (…): fecunda tu idioma y canta”, también afirma el hablante lírico del poema “(El destino de la semilla)”.

Por ello, el poeta Julio Barco destacó, en la ceremonia de la premiación, la idea que inspiró este poemario: “El arte de la poesía, en su belleza, surge de la necesidad de un rito antiguo: la fecundidad y el canto, la necesidad de manifestarnos, el hambre voraz de aclarar, entre las dudas, la interrogante sin medida que somos, la fiesta de nuestros nombres en la noche de origen”.

En ese sentido, la óptica que aprendemos de este nuevo libro de Julio Barco (autor de más de 10 libros pese a su joven edad) es que la poesía nos ayuda, cuando la escribimos, a conocer más un tema que nos inquieta o, como contraparte, nos sugiere más interrogantes, más dudas o problematiza de forma compleja algo que creíamos saber, pero cuya verdad tiene muchas más aristas y salidas de lo que se creía. Por ello, la poesía siempre es una forma de conocimiento, de nosotros mismos y de los otros.

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*Francois Villanueva Paravicino

Escritor peruano (1989). Egresado de la Maestría en Escritura Creativa por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (UNMSM). Estudió Literatura en la UNMSM. Ha publicado Cuentos del Vraem (2017), El cautivo de blanco (2018), Los bajos mundos (2018), Cementerio prohibido (2019) y Azares dirigidos (2020). Textos suyos aparecen en diversas antologías, páginas virtuales, revistas, diarios, plaquetas y/o; de su propio país como de países extranjeros. Ganador del Concurso de Relato y Poesía Para Autopublicar (2020) de Colombia. Finalista del I Concurso Iberoamericano de Relatos BBVA-Casa de América “Los jóvenes cuentan” (2007). También, ha sido reconocido en otros certámenes literarios. 

Francois Villanueva, autor de la presente reseña literaria

Nota de Prensa: Carlos Contreras Chipana presenta «Una carta sin Paul McCartney y otros relatos»

Bajo el sello de Caja Negra, el periodista ingresa al campo de la narrativa. “Estos relatos son un homenaje a la tradición literaria”, comenta en la contraportada del libro la poeta Carmen Ollé.

El periodista Carlos Contreras Chipana, tratando de no perder el equilibrio, ha pegado un arriesgado salto hacia las veredas literarias. Acaba de publicar «Una carta sin Paul McCartney y otros relatos» (editorial Caja Negra), su ópera prima con la que ingresa al campo de la narrativa.

En los diez cuentos, que componen esta publicación, los personajes no defraudan a su destino y se sumergen en la tentación de ser, imposiblemente, humanos. El autor confiesa que con el libro pretende retratar las vivencias de una generación a través de múltiples voces que presentan sus desamores, traiciones y soledades.

“Desde Una carta sin Paul McCartney, pasando por Matalayunza, hasta La tumba sin dueño, Carlos Contreras nos ofrece diversos mundos posibles. Al sumergirnos en ellos, surge la inminente pregunta: cuál de estos cuentos que destacan en este libro es el más próximo a lo real. ¿Acaso el primero, sobre un amor de ocasión, que se desvanece como recuerdo juvenil? ¿Tal vez la resolución de una muerte, en el segundo, que pesa sobre la conciencia de los invitados a una celebración andina? O para mayor sorpresa, ¿el desdoblamiento de un personaje que lleva flores a la tumba de un difunto desconocido? Estos relatos son un homenaje a la tradición literaria: un cuento de amor rockero con dicción adolescente y citadina; seguido de la narración costumbrista que reconstruye el habla dialectal del campo, para culminar con un texto de efecto Rulfo. Todos escritos con mano diestra y gran habilidad expresiva”, ha escrito en la contraportada la poeta Carmen Ollé.

El libro ya se puede adquirir en la página web de Caja Negra y en diversas librerías de Lima, como el Virrey de Miraflores, Book Vivant, Escena Libre y Communitas.

Sobre el autor

Carlos Contreras Chipana (Lima, 1988). Estudió Periodismo en la Universidad Jaime Bausate y Meza. En sus más de 10 años como reportero ha trabajado en radio, TV y prensa. Actualmente, escribe crónicas y reportajes en el diario La República. También ha sido becario de la Red de Periodistas Latinoamericanos Cosecha Roja y es colaborador de la revista Anfibia. Ocupó el primer lugar en el Primer Concurso Nacional de Periodismo sobre Políticas Sociales (CIES-2015). Sus cuentos han sido publicados en antologías literarias. Es coautor de La banda sonora de tu vida (Autómata, 2019) y de Generación B, jóvenes del Bicentenario (Artífice, 2021).

Carlos Contreras, autor de Una carta sin Paul McCartney y otros relatos

Poesía costarricense actual: Nathalie Crum

                                                         Gestión por María Macaya 

Poemas del libro CeEmeYeKa
(2019,Amargord Ediciones)

PEQUEÑO ESPACIO VACÍO

El tigre da vueltas en una jaula (barrotes, soldadura, concreto). Está sordo y solo puede pintar. entonces se rebana una oreja. Cuando se mueve desesperado, sus cadenas se escuchan con el crujido metálico de lo indestructible. ¿Quién le dijo al tigre que sus rayas no eran manchas? El tigre quisiera ser un felino de rango sencillo, quizá un ocelote, pero un animal tan poderoso no puede ser otra cosa que sí mismo y cargar con el peso de su grandeza. La cuestión no es ser una fiera que asusta, la cuestión es ser carnívoro, un monstruo comecarne en 2.5 metros  cuadrados. El amor, ¿qué era, si no clavar los dientes en el lomo, diseccionar partes de sí, darlos en ofrenda? Correr en línea recta no tiene el mismo efecto que recorrer campos abiertos y con grama. Sabanas y sabanas para la dominancia del paso, extensiones de tierra hasta donde la vista llega. todo para el tigre. Tanta ausencia para simular su ausencia, millas náuticas de soledades para quizás completarse. Así que el tigre escribe, pero las palabras son ininteligibles. entonces él pinta, se pinta con tinta a falta de lienzos, pero ya no parece un tigre, sino una pantera. Tan hermoso como antes, sigue desesperado en una jaula, en el espacio reducido de su mentira. Tiembla porque su rugido, es estruendoso y destruye, el último domador perdió la llave cuando perdió su brazo de un mordisco. El tigre piensa en el tiburón y quiere abrazarlo. pero él está aquí, en la sequía, mientras el tiburón habita entre sus lágrimas. La pantera ya no es más el tigre, tiene miedo de abrir la puerta de la prisión. Ella sabe que debe comer: inicia por su cola, sube por las extremidades inferiores, el lomo y la barriga llena, los brazos, el cuello, la cabeza. La última oreja que le queda.

Cadena y jaula devuelven el eco del viento.

¿A dónde se ha ido?





ESCENA JAPONESA

Alguien llega al santuario, lo dejo entrar. pido que se quite los zapatos, se arrodilla en el suelo. ejecuto la ceremonia del té, nos escrutamos hasta que el día se hace noche. Lo dejo quedarse en el planetario del jardín, allí pasta con los dragones. me alejo para escuchar el rumor de la fuente. Volteo: se ha ido. limpio las huellas del piso. cierro la puerta. Las constelaciones siguen en el firmamento.




                                                      Al pueblo Bribri en Salitre

LA AMETRALLADORA
se trabó en el cuarto disparo.

En mis uñas se mezcló el epitelio con la carne.

Corté el hilo rojo de mi dedo
y el hilo rojo siguió el camino
hasta el escombro.

Sobrealimenté la esperanza.
Deseaba un mensaje en alas de paloma.

Seguí la tristeza con la vista,
con el oído atento a lo callado:
soplé el diente de león, su cabezuela,
y la espora cuando cayó no bebió agua.

A veces la humanidad me hace llorar a chorros,
por mis ojos
van lágrimas sin hallar un acierto.

Me rasqué las piernas hasta ver mis tendones,
pero yo no sabía correr.

La ternura se empañaba entre los gritos
de las casas quemadas.

Preferí ser lobo y desgarrar
el plumaje blanco de los cisnes.

Coloqué mi cuerpo a manera de muralla.
¡Si nos cortasen las manos
con los dientes anudaríamos atrapasueños!

Machetazos sobre las espaldas.

La tierra rezó su mortal canto, sobre los invasores lloverán
las mil plagas.

Tanto hemos visto pasar la tristeza, tanto.





Nathalie Crum (1987). Aserrí, San José, Costa Rica. Ingeniera biotecnóloga y gestora de proyectos. Ha participado del XV Festival Internacional de Poesía de Costa Rica (2016) y del Festival de Poesía de Aguacatán (2017). Es coeditora de elrepertorio.org, plataforma web para la difusión de las artes literarias latinoamericanas desde 2016. En 2019 Amargord Ediciones Centroamérica publica su primer libro CeEmeYeKa, una oda al color y la complejidad humana. En 2020 es seleccionada como una de las representantes de los poetas para la muestra de Nueva Poesía Costarricense; Antología de poesía joven. Trabaja en su segundo poemario que verá la luz en 2022.

Nota de Prensa: «Circe ascendente», reciente novela de W.A Flores:

Sinopsis:

CIRCE ASCENDENTE es la historia de un fugitivo que cometió un crimen por amor al arte, pues pretendía proteger a la víctima a quien, en muchas formas, envidiaba.

El lector debe, primero, ensamblar el caso, y luego acompañar al fugitivo por los recovecos de sus argumentos que él supone, lo justificaron para cometer el crimen. Esto implica un riesgo pues se puede caer en las artimañas del personaje y aceptar sus explicaciones, puede que le guste ser parte del delirio y, entonces, quedaría atrapado pues son muchos los laberintos absurdos que, con su supuesta simplicidad, van atando una historia delirante que no se abandonar.

¿Es una fantasía, un thriller psicológico o ciencia ficción?

¡Bienvenido a este viaje sin fin!

Adelante, ocupe su asiento. El tren pronto partirá.

Disponible en:

Mercado Libre Argentina:

https://zetacenturiaeditores.mercadoshops.com.ar/MLA-1123623409-libro-circe-ascendente-de-wa-flores-zce-_JM

Web de editoriales de Juarez:

https://www.editorialesdejuarez.com/zeta-centuria-editores-narrativa/libro-circe-ascendente-de-wa-flores?fbclid=IwAR0p0zb7sGtRw3JY1OLv5kqoiiqqKynkpwsvW8Nb2RFPNqaAcczNqpk9tac

Precio: $1.200,00

CITA:

“Para entonces mi respiración era agitada y el pulso golpeaba mis sienes. Sentí el sudor en mi frente. Mi conflicto interior era mental, pero se había extendido a mi metabolismo. No podía explicar cómo, pero supe que mi salud estaba en peligro. Mi cerebro, exhausto en la búsqueda de un asidero con la realidad, enviaba señales pidiendo que se abriera una válvula de escape que liberara las energías infinitas que emanaban a raudales al fisionarse los núcleos de los átomos mismos. No lograba emitir una respuesta o una reacción racional, pero algo tenía que hacer o sucumbiría con torpeza ante la divinidad.

Me arrodillé y me puse a llorar.”

SOBRE EL AUTOR:

William Antonio Flores García, nacido el 5 de mayo de 1961 en San José, Costa Rica. Escritor y diseñador gráfico, estudio Artes Plásticas y Filología. Ha cultivado la narrativa fantástica en sus diversos subgéneros. Fue premio Joven Creación de su país Ha publicado: “Dinosaurios en la noche” y “Miss Barbi y otros desfaces” (cuento fantástico), “La saga de los bribris: Los umbrales eternos”, (novela de fantasía épica) y “Ajeno a la Tierra” (cuentos de ciencia ficción). Dirige los grupos Taller Experimental de Narrativa Fantástica y Escribamos tu historia.

Autor: W. A Flores

Presentación virtual de la novela Circe ascendente:

https://www.facebook.com/zetacenturiaeditores/videos/1812260665777454

ODA A LA GRATITUD POR EL AMOR Y LA VIDA: 55 ASOMBROS DE SOL, DE LAUREANO ALBÁN

Por Marta Rojas Porras

El libro 55 asombros de sol, de Laureano Albán, es publicado por Casa de Poesía en convenio con la Editorial de la Universidad de Costa Rica, debido a que fue el poeta costarricense a quien se le dedicó la edición n°18 del Festival Internacional de Poesía Costa Rica.

Laureano Albán es autor de numerosos libros, con una carrera poética nacional e internacional destacada y premiado tanto dentro como fuera del país. Muchos de sus libros se han hecho acreedores en Europa, América y Costa Rica de los más importantes galardones internacionales: El Adonáis, en España; el Premio de Cultura Hispana, Madrid; el Premio Hispanoamericano de Literatura Juan Ramón Jiménez, Huelva; el Premio Anual de Columbia University Transnation Center, Nueva York; el Premio Internacional de Poesía Religiosa, Burgos; el Premio Único de la VII Bienal de Poesía Walt Whitman; el Premio Mundial de Poesía Mística Fernando Rielo, Madrid; el Premio Nacional de Literatura Aquileo Echeverría en Poesía, Costa Rica, y el Premio Nacional de Cultura Magón. Su poesía, además, se ha traducida al francés, inglés, hebreo, italiano y alemán.

Por parte de la crítica nacional e internacional, sus obras han sido abarcadas por grandes estudiosos como Edmon Cros, Luis Rosales, Florencio Martínez, Leonardo Semkman, Pieragnolo, Isaac Felipe Azofeifa, Carlos Duverrán, Carlos Francisco Monge, Amparo Amarós, Ronald Campos, Peggi von Mayer y más. En algunos círculos, la simple mención de su nombre es motivo de polémica. Ronald Campos, a partir de sus rigurosas revisiones y estudios sobre la crítica con respecto a la producción poética de Albán, señala :

           Existen artículos y notas periodísticas sobre la producción poética albaniana; no obstante,       una cantidad considerable corresponde a juicios impresionistas o a invectivas, cuyos         comentarios se fundamentan en aspectos de la figura personal del poeta, antes que en            criterios meramente literarios y críticos de los textos poéticos en sí.

A continuación planteo una acercamiento a la obra de Albán, no desde una visión como especialista de la literatura  ̶ que no soy ̶ , sino desde una perspectiva de lectora-poeta.

La admiración es esa capacidad para apreciar las cosas, las acciones, los detalles y asombrarse ante su existir. Para ejercerla, no es suficiente con «mirar», sino que hay que «saber mirar». Según Jeannet Ugalde Quintana (2017) esta acción consiste en adoptar la actitud de quien abre los ojos por primera vez y se admira ante lo que ve. A esto agrego yo:  También lo que no vemos nos puede asombrar.

La admiración, como postura contemplativa, implica el reconocimiento del misterio y de la grandeza del ser humano y de toda realidad. El sujeto sale de sí mismo y se deja cautivar por el cielo y las estrellas, la belleza de una mirada, la complejidad del cerebro humano, la bondad de un gesto, la maldad, la fealdad, el amor, el ser amado…

El poeta Albán nos presenta un poemario con el nombre 55 asombros de sol, cuyo título propone mostrarnos “cosas” que lo maravillan, en un mundo de luz (sol). 

Yo fui testigo de cómo de 50 asombros -50 poemas- se pasó a 55, y como no creo en casualidades, y como me gusta el juego de números y palabras, intrigada por la búsqueda de sentido, le solicité a mi amigo y maestro, el Dr. Conrado Umaña, que me descifrara el significado cabalístico del número 55 y, para mi asombro, el 55 debía pasar por el 50, o sea, para explicar el 55 había que decodificar también el 50.

Esta fue la respuesta del Dr. Umaña: “Cábala es el pensamiento esotérico del judaísmo. En ella se usa mucho la guematria, método que utilicé para este análisis”. El número 50 corresponde a la letra נ (Nun), que significa “vida, salud, continuidad”; el número 5 corresponde a la letra ה (Hei), cuyo significado es “aliento, intervención de Dios, gratitud”, por tanto, el significado de 55 es “Gracias a Dios por Su intervención a favor de mi salud y del aliento de vida en mi ser”.

Ante esto, quienes conocemos del quebranto de salud del poeta Albán y de su renacer, podríamos sorprendernos por ese significado; pero, volviendo al título, queda claro, a mi opinión, que la adición de 5 asombros no fue casualidad, pues en esa suma es donde se concentra, oculto, el sema más englobante de este poemario, cuyo centro yace en la idea de gratitud, la gratitud por cada asombro de luz.

A su vez, en la página de la dedicatoria, se esbozan cinco hilos temáticos: amor, testimonio, perpetuidad, asombro y protección que brindan la poesía y la amada. Todo ello englobado por la gratitud planteada, de manera latente, en el título.

La mención, en esta dedicatoria, de una de las siete maravillas del mundo (Taj Mahal, resultado de una trágica historia de amor interrumpida por la muerte), instala en el género amoroso y declara la búsqueda de la perpetuidad (indeleble) en una estructura compacta de mármol (poesía), cuyo motor es el asombro por la irrupción de la mano solidaria de la amada, que es, a su vez, la mano de Dios.

En lo que sigue, cuando hago alusión al poeta, me refiero al yo lírico, inscrito en el poemario como “yo poeta”.

El acto escritural en cuanto proceso, atrapa el tiempo, la eternidad:

          Aquí estoy/ esperando una palabra, /yo que he sido /todas las palabras de amor…// Yo que           amé / todas las palabras. /Yo que he perdido /todas las palabras. /Y todo por vestirlas /con            una nueva desnudez… //Estoy aquí /buscando las palabras/ que necesitan otro corazón. / (…)            Aquí estoy esperando/ la primera palabra /de un poema que sueño /en cada poema nuevo: /             Algo así como / balbucear… con amor / la huidiza eternidad… (Asombro de volver)

El poema eterniza el amor:

           Cómo voy a esconder/ al mundo tu milagro, /si en cada poema pongo/este poema que eres           /al amarme… (…) // Te esconderé en mis /poemas: en su/ insondable    asombro…/ En esta caja          fuerte/ del tamaño de todo, /donde todo es asombro /para la eternidad... (Asombro de tu            ser)

Esta acción de eternizar no tiene escape

           No te pido perdón/ por inventarte en mí… /por inventarme en ti… / ¡y   en ambos la poesía           (Asombro del perdón)

Hay, en este poemario, una concepción de Dios como presencia cotidiana y, por lo tanto, realmente cercana. Este Dios inunda plenamente la vida del ser poeta y resulta en una suerte de comparación poeta-Dios, en tanto creadores (de la vida, del amor, de los poemas): Dios está tanto en el acto inventivo, como en el acto de soñar y en el acto de hacer el amor.

Este creador de poemas inventa con Dios:

…celajes/ que para ti inventamos/ Dios y yo           (Asombro de tu ausencia)

            Quiero hacerte poemas/ en que aparezcas/ tal como Dios te soñó/ cuando te envió a         salvarme (Asombro de la manzana)

El yo lírico, hacedor de mundos poéticos, quiere que la amada crea en él como se cree en Dios:

           Yo te quiero mentir…/ con la verdad entera de mi vida/ para que creas en mí/ como se cree            en Dios, / arduamente invisible… (Asombro de lo invisible)

Sus caricias son caricias de un Dios que es cómplice personal:

            Y un abrazo sea Dios/ casi abrazándote

            Dios sea mi cómplice/ cuando te estoy amando (Asombro de la culpa)

El poeta es dios con minúscula, pero en una relación tan cercana al Dios mayúsculo que a veces este se le impone:

           Te he amado tanto /que grabé en las estrellas /tu nombre de campana iluminada/ para que             Dios tuviera/ que mirarte en cada amanecer… (El asombro de)

Ese dios minúsculo se reconoce como tal, falso y débil, pero rearmado por el amor:

           Yo solo soy un dios/ que ha borrado la vida, /un dios de contrabando /en todos los espejos. //             (…) Pero llega tu amor /y me tira a la cama, /para armarme de nuevo / solamente con besos…

A lo largo del poemario se establece, claramente, el destino y propósito del acto escritural: proclamar la inmortalidad del amor y, por lo tanto, de la poesía y ese canto a la amada. El yo lírico se declara inmortal, rejuvenecido por el amor salvador, escribiendo desde ese mismo amor, su esperanza, para su amor. De este modo, explicita su decisión de entrega, de la poesía a su amada, como testimonio de su capacidad de amar:

            Me declaro inmortal / porque te amo, /insaciable de todo para ti, /el muchacho      invasivo/           que a los setenta y siete/ descubrió que existías/ y ha nacido contigo…// El   púber que te             escribe/ estos poemas confesos, /irresponsablemente azules/ para ti     (El asombro de tu             asombro)

            Esta es mi herencia:/ Todos los poemas-relámpagos/ que me traspasaron…//
            Esta es mi ofrenda:/ Todo iluminado para ti
(El asombro de mí)

         Aquí está el mar, amor, (…) // Te lo entrego esta tarde /de lluvia inmerecida,/ junto al perfil             transparente /del volcán en fuga/ en que nací…// Yo te lo entrego todo / porque el poeta es el            dueño/ de todo y nada, siempre…// La  palabra en el poema/ es la cadena azul/ que lo ata a          este mundo, /casi como el amor… //Y la luna invasiva/ no podría faltar/ en esta enardecida       ofrenda/ de cosas que no tengo, /pero que en la palabra /son mías por un instante…//       Quisiera homenajearte/ con todo lo que quepa /en la copa de un beso. //Porque soy el            fugaz /propietario del canto…/Y no hay nada / que se le niegue al canto…// … (El asombro de             la ofrenda)

Además de ofrendarle la poesía a la amada como testimonio íntimo, pretende acercarla a una concepción del Dios cotidiano, presente en todo su quehacer:

           Yo te voy a enseñar cosas prohibidas…/ Como que Dios está en tu cama siempre/ aun cuando            yespero un descuido/ de tus ojos de almendra pensativa/ para hacerte el amor (Asombro de            la  sorpresa)

La amada, en tanto presencia milagrosa y restauradora de vida, deviene, en este poemario, en una suerte de extensión de Dios:

       ¿Para qué estás aquí? // Para que algo de Dios/ duerma en mi cama (El asombro de tu            ausencia)

        Y apareciste tú/ con los dados/ abiertos en tus manos/ donde jugaba Dios (El asombro de             volver)

           Estoy tratando/ de existir de nuevo…/Un poco tú, un poco Dios…/ Y trocito a trocito/ la                        esperanza de ser (El asombro de existir)

           Yo soy un acertijo de tu amor. / Un juguete de Dios/ para que jugaras/ a ser Él… (El asombro            de viajar)

           Y trato de encontrar una fisura/ para huir de tu amor/ pero de nuevo/ un empujón de Dios/             me detiene en tus brazos… (El asombro del omniamor)

           El amor es posible/ solo mientras veamos/ el rostro de Dios/ en el rostro amado (El asombro            del amor)

           No sé si te inventé/ no sé si me inventaste// O ambos somos/ una invencible/ travesura de             Dios. (El asombro de buscarte)

El amor, la amada-Dios y la poesía son, en este poemario, la fuente de la vida, del renacimiento, del rescate de la muerte, la revitalidad. Este amor rescata de la muerte, negocia la vida:

           Y yo caí tres veces /cumplidas a la muerte/donde todos los ríos/callaban en mi frente// Y             apareciste tú… (El asombro de la muerte)

           Yo creí que eras/ el ángel del destino/ negociando más sueños/ con mi muerte... (El asombro             de la aproximación)

       Yo sé que tú venías/ porque el mundo se iba… (…) /Yo sé que tu venías/ golondrina de          ausencias/ a vencerme despacio/ con besos, este antiguo dolor. // Yo sé que tu venías/ porque     el mundo se iba/ desliendo lentamente/para inventarlo nuevo/inmensamente tú… (El            asombro de pasar)

           Tus besos se impusieron/ a la muerte, con un / «no pasarás»… que todavía/ retumba en los            pasillos del hospital… // Y cambiaste/ la eternidad por/ nuestra eternidad… (El asombrode             nacer)

En Albán, el amor es motor, eternidad, fuente de vida:

           Por eso tú llegaste/ al hospital en cada/ madrugada, para darle a mi sueño los plazos/ del            amor… // Estoy tratando/ de existir de nuevo…/ Un poco tú, un poco Dios…/ Y trocito a trocito            /la esperanza de ser… // Sí, casi un espejismo/ especializado en besarte/ a ti y a los poemas…//        Un ajedrez de olvidos:/ jaque mate de sueños./ Y todo porque tú/ decidiste reparar/ este          juguete / para la eternidad…// (…) /¡Ya casi existo! // Ya, mi amor, / sigue intentándolo… (El             asombro de existir)

          Y llegaste tú, sol, / con una sonrisa que no entiendo/ y conjuraste el mar en mis milagros, / y         sostuviste el mundo en una mano/ y el amor en la otra /que es la única forma/ de vencer            todavía… (El asombro de los milagros)

           Tú me viste cayendo/ al recoger asombros, /y me clavaste alas/ en el precario sitio/ donde             estaban mis llagas. (El asombro de renacer)

El renacimiento de la mano de la amada convierte al renacido, al que ama, en un mejor ser humano:

           Soy una herida de la luz/ en medio de la niebla, / (…) Pero tu amor / me vuelve más humano           /quizá que mis olvidos. // Porque mi disfraz de hombre/ suele rasgarse un poco/ cada día, y            solo tú sabes / remendarlo con luz…  (El asombro de tu secreto)

El poemario abunda en luz. Se juega con el campo semántico del nombre del tú lírico Sol y se configura, desde el título, una propuesta de asombros luminosos. De nuevo, ese sol deviene en figura divina, una metáfora del cielo, cercano en su asombro

           Es que a veces/ no creo que tú existas, /que tu nombre: Sol Salas, /es una metáfora/ del cielo, /            que yo solo recojo palabras / para imitar tu asombro. (El asombro de tu existir)

      Yo quería mil soles, /pero me dieron uno… // Además de una estrella/ que inventara            destinos… // Yo quería mil soles /pero me dieron todos /en tu nombre. Y el mío/ se encendió             con el tuyo… (El asombro de la pregunta)

La presencia de la amada, metáfora de Dios, fuente de luz, ilumina, incendia y llena de color el mundo del poeta:

         ¡Que no quede una sombra /donde no haya un asombro! // Que quien pase se entere/ que        aquí estuvo Sol/ iluminándome… // Su luz no es de este mundo: /Lo he comprobado /         amándola en el mundo… // (…) Sabe que del futuro/ el presente es la chispa / totalmente            incendiaria. // (…) Estos poemas son / las esquirlas que vuelan /de cuando ella me incendia         // Yo soy la tea y ella la llama, / porque la llama arde /cuando la tea existe… (Asombro del            alma)    


Podemos decir que la amada-luz alumbra, tanto el espacio exterior, como el interior del poeta:

       ¡Que se abran todas / las puertas en punto /de la vida! // Que el sol entre /a la sala         enamorado, /y se siente a reír /entre nosotros… // Que el mediodía / sostenga las redes /            agoreras de la lluvia… // Que la fosforescencia / de la niebla descienda, /iluminando todos los           caminos…// Y que las flores muestren / los colores invisibles / que siempre guardan/ tan solo            para Dios… // (…) Porque te acercas ya/ incendiando mi vida /con esa luz que cruza/ desde tu            alma a mi cuerpo / y de mi cuerpo a tu alma... (El asombro de tu llegada)

           [Eres]la muchacha inexplicable /que supo marcar /la dirección de luz, / que faltaba a mi             vida (El asombro de nacer)

           Cuando me abrazas/ quedo nimbado/ de estrellas totalmente… / (…) //Y entran por mi boca,            mis ojos, /mis poros extasiados /espantando las oscuridades /que le quedan a mi alma, /las      maldiciones ajenas /que aún se aferran a mi alma /hasta convertirlas /en un cielo            estrellado, / en una transparente / avenida de luz (El asombro de la estrella)


        Eres el sol de frente /que me guía impasible /más allá de mí mismo / hacia la eternidad…            (Asombro de los cuerpos)

En este ambiente físico y psicológico, todo es radiante. Las sombras son apenas enunciadas en cuanto alusiones al pasado o a penumbras desalojadas por la luz que vence.

           Todas las luces /caen sobre mí /cuando me miras. // (…) Eres una invasión/ de plenitudes…/            Una sombra al revés, /un diluvio de estrellas/ sin olvido… // (…) Todas las estrellas /son más        que estrellas /cuando me abrazas. // (…) Eres la parte   /luminosa de este mundo. (El            asombro del destino)

      Yo sabía, entre las sombras / zaheridas del hospital, /yo sabía que venías /venciendo            madrugadas, / porque se anunciaba /el temblor de tu luz /en las sombras que huían…

El poder incandescente de esta luz es expuesto claramente en estos últimos fragmentos del poema “El asombro de la culpa”, donde se sitúa a la amada, de nuevo, como la figura Sol en fuerza y brillo:

           (…) Tú tienes la culpa/ de que todas las flores /de mi invierno sean soles… // Tú tienes la culpa /            de que cada mañana / todo quiera encenderse para mí. // Tú tienes la culpa / de que la misma          estrella / que fue sombra, ahora brille /más allá de las sombras. // (…) Tú tienes la culpa /de          que cada noche /la noche no me visite más, /porque a fuerza de ser tú misma / la iluminaste            toda… // Y tú, Sol, tienes la culpa /de que el final de este poema /sea el principio de un mundo.

De este modo, queda en evidencia que 55 asombros de sol es una obra donde impera el amor como fuerza que da cohesión al universo poético. El yo lírico se sorprende por la irrupción de lo imprevisible, se asombra ante el detalle, las acciones, las preguntas, cada mirada o presencia de la amada en su dimensión humana y divina. Ese asombro o admiración lo lleva del estado pasivo, casi de muerte o resignación, a un estado activo del amor esperanza. Es un tránsito donde cada asombro se sucede por otro asombro y otro más.

En estos asombros, la figura de Dios se concibe en alusión a la complicidad, y su presencia se hace evidente en la amada, Sol, mensajera y nacida de la luz para el amor. La gratitud subyace, oculta, en todo el poema, pero se desprende como olor grato en cada rayo de este sol.

Contrario a lo que sucede en otros textos con el tema del amor, incluso del mismo Albán, el poemario ha excluido la angustia por la temporalidad de la vida y del amor. Aunque aparece el tema de la muerte, este se instala en un clima de paz y esperanza donde la luz terrenal deviene en esa luz divina que llena todo vacío y alumbra toda posible penumbra.

La poesía mística amorosa de 55 asombros de sol, de Laureano Abán (2019), es, por tanto, un sitio de luz plena; en él, el agradecimiento por la resurrección amorosa solapa cualquier conflicto e instala una armonía total a partir de esta luz.

Marta Eugenia Rojas Porras (1950). Filóloga. Catedrática pensionada de la Universidad de Costa Rica. Poemarios publicados: (1993, 1998). La sonrisa de Penélope y su costumbra del adiós. Editorial de la Universidad de Costa Rica. (1996, 2005). Aposentos del deseo. Editorial de la Universidad de Costa Rica. (2005). Habitar la casa del tesoro. Ediciones Perro Azul. (2019). Destejiendo la intemperie. Ediciones Perro Azul. (2019). Zárate desencadenada. Texto lírico dramático. Ediciones Perro Azul. Publicaciones en revistas (1998). “Oda a la muerte de mi madre”. Káñina. Revista de Artes y Letras, 22(3). (2003). “Entre duelos y amaneceres”. Revista Nacional de Cultura, 46, (2003). “Estela de fragancias y luces”. Revista Educación, 27(2). (2003), “Como volver a casa”. Káñina. Revista de Artes y Letras, 27(2).  (2004). Entre recital y charla: El acto creador y unos apuntes sobre Penélope. Educación, 28(2). (2020). Atunis Galaxi Poetry. Antologías en las que publican su poesía (1994). Indómitas voces. Las poetas de Costa Rica. Antología. Selección, prólogo y notas de Sonia Marta Mora y Flora Ovares. Editorial Mujeres. (2006). Lunada poética. Poesía costarricense actual. Ediciones Andrómeda.(2020). La palabra provocada. Antología poética costarricense. Instituto Cultural Iberoamericano. (2020). Vivencias en tiempo de pandemia. Enlaza2. (2020) El valor de la palabra. Antología poética. Ediciones Santoamor. (2020), Los gritos de Medea: Violenci de género en la poesía feminista costarricense. Antologadores: Luis Gustavo Lobo y Yordan Arroyo. Editorial Arboleda. (2020). Antología en tiempos de COVID 2020. Antologadora Marlen Ramírez.

Nota de Prensa: Vuelo Nocturno: Los cuentos de Pilar Dughi

Post en el Facebook de Tadeo Palacios:(https://www.facebook.com/tadepv/videos/622836355636762)

En 2021, a través de Proyecto Machete, dicté tres talleres dedicados a la cuentística peruana que aborda el tópico de la violencia política durante el Conflicto Armado Interno. Esta vez, a lo largo de cuatro sesiones, nos centraremos en el legado y obra de Pilar Dughi, y propondremos algunas claves de lectura que nos permitirán hacer frente a la pregunta de por qué su producción narrativa sería urgente en estos tiempos de incertidumbre.

Informes y formulario de inscripción:

https://forms.gle/UAXLnXLSMSVhP9y76

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I.INTRODUCCIÓN

La obra cuentística de Pilar Dughi (Lima, 1956-2006) —escritora, psiquiatra, gestora de salud mental comunitaria y promotora de los derechos de los niños y las mujeres— ha cosechado con el tiempo, y desde la aparición de su primer volumen de relatos, un legítimo reconocimiento a una vocación narrativa audaz.

Sin recurrir al patetismo o a la condescendencia, y dueña de una pericia clínica, Dughi supo auscultar las costuras de un país que sufría los estragos de la guerra interna que lo asolaba y que estaba plagado de males que aún hoy se hallan lejos de cesar. Dughi integró varias líneas temáticas en un intento de aprehender, comprender y representar fenómenos como la violencia comunitaria e intrafamiliar, la crudeza del machismo, la creciente desigualdad social, la descomposición de los lazos que nos unen a los otros y los porvenires truncos en los que el desencanto y la soledad suelen trazar un retrato del espíritu de su época.

El objetivo de este taller consiste en acercarnos a la producción cuentística más relevante de Pilar desde la lectura crítica y el diálogo, a fin de comprender sus estrategias narrativas y reflexionar en torno a la multiplicidad de temas abordados por la autora.

II. SESIONES

Sesión 01: Pilar Dughi y la Generación de los 80: entre la violencia, el desencanto y la construcción de la escritura/escritora

Sesión 02: Narrativas de la historia, lo fantástico y lo psicológico

Sesión 03: Literatura, género e identidad como eje articulador

Sesión 04: Violencias ineludibles: Género y Conflicto Armado Interno

III. INFORMACIÓN

Precio: 100 soles.

Sesiones: 04 sesiones. Del 05.03.22 al 26.03.22.

Horario: Los días Sábados de 16:00 a 19:00 horas.

Duración: 03 horas

Incluye lecturas y acceso a las sesiones grabadas de las clases.

Informes: tadeo.palacios@pucp.edu.pe

Dirigido por Tadeo Palacios Valverde:

Escritor, abogado por la Universidad Nacional de Piura y candidato a Magister en el posgrado de Literatura Hispanoamericana de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP). Se ha desempeñado como asistente de docencia del curso Técnicas de escritura de novelas en la Maestría de Escritura Creativa (MEC) del mismo claustro.

Ha sido becario del programa de pasantías literarias Arequipa Imaginada del Ministerio de Cultura del Perú y de la fundación alemana Hanns Seidel. Su cuento “El legado” fue uno de los ganadores del Concurso Nacional Nuestros Relatos, organizado en 2020 por la Presidencia del Consejo de Ministros y el Proyecto Especial Bicentenario de la Independencia del Perú.

Ha publicado el conjunto de cuentos sobre la memoria, la ausencia y la violencia política Mañana nunca llega (Editorial Pesopluma, 2021) y diversos ensayos sobre la violencia política en revistas como Red Literaria peruana y Espinela, del posgrado de Literatura PUCP. Sus áreas de interés académico son la narrativa de la violencia política, la memoria y los afectos en la narrativa latinoamericana, los estudios de género y la cultura pop japonesa contemporánea.

Puedes generar el pago del taller vía YAPE o por depósito/transferencia a la siguiente cuenta BCP. Luego, no olvides adjuntar la captura del comprobante de pago y comunicarte con el tallerista. También si cuentas con PayPal puedes pagar el monto de 26 dólares por concepto de inscripción vía el siguiente enlace:

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